raiarts.galerie

Marek Škubal

2010-04-29T06:14:00.000-07:00

Zum 10. Internationalen Bildhauersymposium "Grenzgänger" in Arnbruck/Zellertal/Bayerischer Wald, trafen sich vom 12. bis 20. Mai 2009 die Künstler Marek Škubal, Vaclav Fiala, Tomas Kus, Rike Scholle, Eduard Deubzer, Walter Schreiner, Justus Müller, Hans Tremml.

Sie waren 10 Tage Gäste in unserem Haus / galerie am bach.

Marek arbeitete in der Galerie mit unglaublicher Geduld und Sensibilität an einer Larve und ihrer Glasgussform. Anschließend schuf er für seine gläserne Larve ein "Bett" aus Gneis. Martialischer Krach und eine riesige Staubwolke umgaben ihn für zwei Tage. Unser Respekt und Hochachtung für diese enorme künstlerische Leistung. Für uns war eine aufregende-vielseitige-schöne Zeit im Wald...

2009-09-19T03:44:00.001-07:00

2009-09-18T09:41:00.000-07:00

Bertram Till
was bleibt
Juni - Juli '09
Landschaftsarchitekt und Künstler

Bertram Till, Jahrgang `66, wollte eigentlich Musiker werden. Aber verschiedene Umstände führten ihn über die Lehre als Landschaftsgärtner, das Studium der Landschaftsarchitektur - durchaus ein überaus künstlerischer Berufszweig – zu seiner jetzigen Arbeitsweise. Schon vor dem Studium entstanden kleinere bildhauerische Arbeiten. Mit dem Studium wurde mehr und mehr die Bildsprache wichtig. Architekten bemerkten später, dass er Pläne nicht zeichnen, sondern „malen“ würde. Neben dem Studium entstanden viele Skizzen und Gemälde in Öl und Dispersion. Das Thema waren Menschen, meist ohne Gesicht, sehr bestimmend in Gestik und Ausdruck (Ausstellungsthema Passion, Körperformen), und natürlich Überlegungen zu Stadt und Natur (Stadtlandschaft). Da diese Bereiche für ihn immer mehr zusammengehörten, in ergänzendem Widerspruch standen, begann Till, diese zu kombinieren und Einfluss aufeinander nehmen zu lassen. In den Ausstellungsthema „Kommunikation“ stellte er Tonmodelle vor Stadtlandschaften, die somit im Vorbeilaufen ein bewegter Teil des Bildes wurden. Im Zuge einer Gewächshaus-Ausstellung wurden zum Beispiel „Der kleine Prinz“ als Hörspiel und Edelrosen integriert. Hier fand eine Idee ihren Anfang, Malerei und Plastik sowie Musik nicht zu trennen, sondern zusammenzufügen zu einem Gesamtkunstwerk, zu einer Gesamtbetrachtung.
Verschiedene Themen mit unterschiedlichen Materialen zu gestalten ist für Bertam Till prinzipielle herangehensweise.
So entstanden zu der Ausstellung „Oh Maria“ Holzskulpturen, Fotografien von Frauen und einem Mann mit einer Holzskulptur sowie Kollagen auf der Grundlage der Fotografien. Dies bietet die Möglichkeit, die unterschiedliche Ausdruckskraft der Materialien, sei es Malerei, Fotografie oder Skulptur auszunutzen und so verschiedene Aspekte zum jeweiligen Thema darzustellen.

die bunten
was sind wir doch für toren
schillern bunt, rot, gelb und blau
wollen täuschen zu was wir sind geboren
uns verkriechen hinter buntem bau
doch der bauer zeigt uns die braune erde
die läßt sprießen die fruchtbarkeit
unter dem trab, der einfalt schwerer pferde
unsere nahrung kann fließen für alle zeit
wir springen nun mit bunten schildern
leben des besonderen in saus und braus
täuschen uns mit wilden bildern
stechen der güte und einfalt aus
doch am schluß wird alle farbe schwinden
alles wird zu einem brei
wird das leben nach gut und bös auseinanderwinden
in schwarz und weiß splittert es entzwei

Bertram Till zeigt in der raiarts.galerie am bach Bilder, die sich mit Texten verweben. Gedichte bzw. Geschichten laden somit zum Entdecken ein. Die Texte, die den Ursprung vieler Bilder bildeten, sind in den Bildern selbst nicht mehr sichtbar. Dafür werden sie separat gehängt.
Bei den Gedichten hat die Zeit eine besondere Bedeutung, was sich unter Anderem an den Entwicklungen zeigt. Sowohl in den Texten als auch in der in den Bildern verwendeten Symbolik werden verschiedene Epochen zusammengeführt, was die Zeitlosigkeit bestimmter Themen herauszustellen versucht.
Leben und die Suche bzw. Die Bunten z.B. sind Bilder mit Symbolen und Zeichen. Stier, Jäger, Mond usw. werden in ihrer altertümlichen Bedeutung aufgegriffen. Texte verwandeln sich in Steinreihen von Häusern. Die Komposition wird skizziert und dann auf die Blätter übertragen. So wie die Geschichte eines Menschen sich wandelt, so werden verschiedene Stile verwendet, von der Abstraktion bis hin zu Farbflächen.
Der flächige Auftrag bei den Bildern Transparent sind bei näherer Betrachtung ebenfalls Zeichen für bestimmte Stimmungen. Texte geben hierfür den Rhythmus an. Sie werden aufgeschrieben und dienen mit ihrer Ornamentik als Hintergrund. Bei dem Zyklus Zeit wurden die Texte auf einem separaten Layer geschrieben, wovon einmal mit einer Phantasieschrift, die bei dem Rezitieren entsteht. Die letzte Blattschicht bildet eine alte Darstellung von Zeitmessgeräten aus einem alten Brockhaus ab. Die transparenten, dünnen Papiere sollen sich im Windhauch bewegen und auch, vorsichtig natürlich, zu blättern sein.
Weiterhin sind Collagen zu sehen, die mit digitalisierten Zeichnungen und Fotografien verändert wurden. Auch sie beziehen sich auf Texte, Geschichten und Märchen. Dabei war für den Künstler interessant, ein eigentliches Kunstwerk aus Fotografie oder Zeichnung zu bearbeiten und dann wieder in einem anders gearteten Kunstwerk zu verwenden und so eine Wandlung beobachten zu können.

2009-09-18T09:37:00.000-07:00

Kazeem Agboola . Papierbatik
21. Juni - 14. September '08
Inspiration durch Tradition | Batikkünstler Kazeem Agboola

Seit den frühen sechziger Jahren des zwanzigsten Jahrhunderts ist die nigerianische Yoruba-Stadt Oshogbo der Dreh- und Angelpunkt einer Kunstszene, die durch ihre Dynamik und Strahlkraft weltweit große Beachtung findet. Ein Aspekt ist die Traditionen der Batik.

Zentrales Thema des in Berlin lebenden Batik-Künstlers Kazeem Agboola ist seine ursprüngliche Heimat Nigeria. Er gehört zur jungen Generation von Künstlern, die sich an traditionellem Kunsthandwerk und deren Motiven anlehnt und durch Adaption eine eigene Bildsprache gefunden hat.
Die auf Papier entstandenen, mehrfarbigen Bilder sind seine Art kulturelle, gesellschaftliche und religiöse Werte der Yoruba zu vermitteln.
In erstaunlicher Vielfalt verarbeitet er Eindrücke wichtiger Feste und Riten aber auch Alltägliches wie Markttreiben oder Dorfleben.
Seine Arbeiten zeichnen sich durch scharf verlaufende Konturen mit feinen fliessenden Farbübergängen aus. Die rhythmisch gegliederten, nie statisch wirkenden Hintergrundstrukturen bilden Flächen in nuancenreicher Farbskala und die linearen Effekte verdeutlichen den aufwändigen Arbeitsvorgang.

Kazeem Agboola bedient sich dabei zweier Techniken der Papierbatik:

Variante 1: Mit Tinte und Kohlestift wird eine erste Motivskizze gezeichnet und gestaltet. Anschließend wird heißes Wachs mit Pinsel oder einem Schaumstoffkeil auf bestimmte Partien aufgetragen. Danach wird das Papier "zerknittert". Nochmals mit Wachs gestärkt wird im nächsten Schritt erneut Farbe aufgetragen. Nach dem Trocknen des Blattes wird das Wachs mit Papier abgebügelt.

Variante 2: Zuerst wird eine colorierte Grundierung angefertigt. Danach wird das Motiv, wieder mit Tinte und Kohlestift, gezeichnet. Um den typischen Batik-Effekt zu erzielen, wird der Bogen wieder "zerknittert". Mit einer weiteren Schicht Wachs wird nochmals Farbe über das Bild geblasen bzw. gesprüht. Anschließend wird das Wachs abgebügelt.

2009-09-18T09:31:00.000-07:00

Sultan Ali . Malerei . Zeichnung
Jivya Soma Mase . Zeichnung
15. März - 15. Juni '08
anandai - Indische Kunst im 20. Jahrhundert ist vielschichtig und lebendig. Sie schöpft aus Jahrtausende alten Traditionen indischer Herrscherhäuser und der künstlerischen Kreativität der Landbevölkerung. Eroberer und Einwanderer – Griechen, Portugiesen, Skythen, Araber, Afghanen, Perser und Engländer haben mit ihren Auffassungen und Stilen die indische Kunst mitgestaltet und beeinflußt.

Mit der unter dem Namen anandai firmierenden Ausstellung verbindet die galerie am bach zwei Strömungen aktueller indischer Kunst – Modern Indian Art und Folk Art.

„Ich male Energie“, sagte Sultan Ali, Vertreter der Modern Indian Art, in einem Gespräch – „Das Malen ist eine Art von Meditation, eben anandai.“ Die Handlungen, die sich in Sultan Alis Bildern abspielen, sind nicht willkürlich, sondern unvermeidlich. Seine Bilder verwirklichen das indische ästhetische Prinzip der Rasa. Danach soll der Künstler nicht das Sprachrohr sondern der Zeuge der Emotionen sein.

Jivya Soma Mase’s Name ist heute gleichbedeutend mit Warli Malerei. Die Warli sind ein Volk von etwa einer Million Seelen, die südlich von Bombay im indischen Bundesstaat Maharashtra angesiedelt sind. Sie gehören zu den Urvölkern Indiens. Soma Mase eignete sich die piktogrammartige Zeichenkunst der Warli-Frauen an und entwickelte sie auf individuelle Weise weiter.
Schwelgerisch könnte man ihn als wahren Gigant in der indischen Kunst unserer Zeit bezeichnen; er hat diese Seite von Folkart perfektioniert und damit internationale Anerkennung erreicht.

2009-09-18T09:29:00.000-07:00

Andreas Futter . Bronzeplastiken
15. Dezember '07 - 9. März '08
leichtgewichtig

Ikarus hat einen Schnabel und trägt eine Zipfelmütze – Andreas Futters skurrile Bronzefiguren sind wohltuend befreit von der gewohnten Sichtweise.
Der Gmünder ist Absolvent der Akademie der Bildenden Künste Stuttgart und einer der gegenwärtigen Künstler, die eine Gegenwelt schaffen können, in der kräftig gegengesteuert wird.

Es fallen dicke Wichtel mit Hosenträgern in ihrer ganzen Behäbigkeit und Nichtigkeit auf, die einem in einer Art ironisch gebrochener Distanz zunächst stehen lassen. Aber es steckt mehr dahinter. So zum Beispiel die Plastik `Balance`; hier sieht der Betrachter eine knochige Figur mit extrem langen Beinen. Ziemlich schräger Vogel, der da nicht vom Brett fallen will. Es könnte aber auch ein Sinnbild für Europa sein, bei seinem Spagat zwischen arm und reich / Ost und West.
Wie gesagt: “könnte“.

Der Künstler hat mit freundlicher Ironie ein spezifisches Menschenbild entwickelt, welches er in besonderer Form auf uns abrundet. Für seine Miniaturgestalten hat Andreas Futter räumlich-plastische Lösungen gefunden. Selbst die Sockel sind abwechslungsreich in nie endender Variationslust: Von der einfachen Platte zur Treppe und kubischem Quader oder zum säulenhaften Rundsockel mit vielen Zwischen- und Übergangsformen.

Facettenreich stellt er sich gegen scheinbare Seriosität und arbeitet szenisch wie handwerklich ausgereift.
Die Figuren sind sympathische Abbilder unserer Unvollkommenheit.

2009-09-18T09:27:00.000-07:00

Obiora Udechukwu . Malerei
21. Juli - 22. September '07
Der Künstler als Moralist

Obiora Udechukwu sieht seine Rolle in der nigerianischen Gesellschaft nicht primär als Künstler, sondern als Moralist. Er will mit seinen Werken dem Betrachter (und damit seiner Nation) einer Spiegel vorhalten. Nicht umsonst taucht in seinen Arbeiten seit langer Zeit immer wieder das nsibidi Symbol für den Spiegel auf. Mit seiner ganzen Kunst - das sind seine Bilder genau so wie seine Gedichte und Gesänge - versucht er, den lauf der Dinge zu beeinflussen. Er sieht seine Arbeit als Anmerkungen zum gesellschaftlichen leben.
Man kann Udechukwus Werk nur verstehen, wenn man die politische Entwicklung Nigerias seit der Unabhängigkeit berücksichtigt. Nach blutigen Pogromen in den anderen Landesteilen versuchten die 19bos, ihre Region im Osten des Landes als unabhängigen Staat unter dem Namen Biafra von Nigeria loszulösen. Der Krieg war für Udechukwu, der selber dem Volk der Igbos angehört, in zweifacher Hinsicht ein traumatisches Erlebnis: Zunächst führte die Unfähigkeit der Politiker, die ethnischen Streitigkeiten friedlich zu lösen bzw. die Schwächeren vor Übergriffen zu schützen, zu einer nachhaltigen Desillusionierung. Außerdem hinterließen die Schrecken des Krieges in ihm tiefe Spuren, die sich immer noch in seinen Arbeiten zeigen. Schon damals kommentierte Obiora Udechukwu mit seiner Arbeit die gesellschaftliche Entwicklung. Gegen Ende des Krieges, als die Bundestruppen Biafra schon längst von der Außenwelt abgeschnitten hatten, nahm er in einem Theaterstück Stellung gegen die Korruption in der eigenen Führung.

Seither hat er immer wieder vor der eigenen Türe gekehrt und Mißstände in seinem land angeprangert. Dabei machte er deutlich, daß seiner Ansicht nach die Lösung der Probleme in erster Linie im Vertrauen auf die eigene Kraft versucht werden muß. Für seine Vorstellung von der Funktion des Künstlers fand Udechukwu ein Vorbild in den traditionellen Sängern (minstrels). Diese hatten sich schon immer mit ihren Gesängen und Sprichwörtern in das leben der Gemeinschaft eingemischt. Sie machten auf Regelverletzungen aufmerksam, kritisierten offen Mißstände und gaben Anregungen zu deren Beseitigung. Durch die Dokumentation von Auftritten solcher Sänger und durch die Analyse von deren Texten war Udechukwu zu einem der besten Kenner der mündlichen Literatur (orature) seines Volkes geworden.

In dem Zyklus "No Water" (1981) ging der Künstler mit der Regierungsschicht Nigerias ins Gericht. Er stellte die Frage, wie es kommen könne, daß es die Regierung trotz des Reichtums durch den Ölexport nicht einmal schafft, die Grundversorgung der Bevölkerung mit so elementaren Dingen wie sauberem Trinkwasser sicherzustellen. Für "Onye Ndidi - aseries of drawings and watercolours on the theme of Patience" (1985) wählte Udechukwu ein Igbo Sprichwort als Thema, das übertragen etwa lautet: Nur der Geduldige ist als Angler erfolgreich. Mit diesen Werken kritisierte er die Sucht vieler seiner Landsleute nach schnellem Profit, die weitverbreitete Korruption und die Übervorteilung der Schwachen. Am Beispiel des Anglers und des Bauern zeigte er, daß nur Geduld und langfristiges Planen zu dauerhaftem Erfolg führen.

Von den eher karrikaturenhaften Zeichnungen des "No Water"-Zyklus mit ihren direkten politischen Stellungnahmen entwickelte sich Udechukwus Kunst über die "Onye Ndidi"-Arbeiten hin zu eher abstrakten, grundsätzlichen Aussagen, wie die Ausstellung "Nsukka landscape" (1989) zeigte. Udechukwu verwies den Betrachter darin auf die große Bedeutung der Natur als Ursprung und Ausgangsbasis des Lebens und machte klar, daß der Mensch sie bewahren müsse. In einer gewissen Weise kann man die Bilder der Ausstellung als Fazit von vielen Jahrzehnten Erfahrung als Künstler betrachten: Beobachtungen aus dem Alltag stehen neben Kommentaren zu politischen Entwicklungen und Themen aus der Vergangenheit. Traditionelles vermischt sich mit dem Neuen (d.h. natürlich auch mit dem Fremden), genauso wie im modernen Leben. Mit sicherem Gefühl für seine eigenen Wurzeln und mit hohen Erwartungen an die eigene Gesellschaft ist Obiora Udechukwu bereit, auch weiterhin seinen Teil zur Entwicklung in Nigeria beizutragen.

2009-09-18T09:21:00.000-07:00

Justus Müller . Skulpturen
März – April ’07
Kleine Werkschau
Stein . Holz . Bronze

2009-09-18T09:20:00.001-07:00

Gruppenausstellung
11.November ’06 – 14. Februar ’07
in verbindung . Malerei . Grafik . Skulpturen
Helga Hofer
Christine Rieck-Sonntag
Franziska Lankes
Irene Fastner
Alois Jurkowitsch
Bernadette Maier

2009-09-18T09:16:00.000-07:00

Rolf Jahn . Malerei . Grafik
15. Juli - 14. Oktober '06
Raldystische Kunst

Weder konventionell noch avantgard-istisch, weder rein abstrakt noch rein gegenständlich ist die Kunst von Rolf Jahn (geb. 1962 in Lüneburg). Sie fällt aus dem Rahmen, sie fällt auf, dem Künstler fällt ständig etwas Neues ein. Die eigenwillige reduzierte Formensprache und der selbstbewusste Umgang mit einer ausgefallenen Farbigkeit geben seiner Malerei so etwas wie ein Alleinstellungsmerkmal, machen sie unverwechselbar. Menschen und Tiere, Einzelne und Gruppen bevölkern seine Bilder, wecken Erinnerungen, rufen Assoziationen ab, erzählen Geschichten, lassen die Betrachter solche erfinden und sind dazu angetan, sich intensiv mit den Bildern auseinander zusetzen. Da gibt es Vorlieben für gewisse Motive aus der Tier- und Menschenwelt, aber im Prinzip herrscht ein dynamisches Verhältnis zwischen dem reichen Motivschatz und seinen scheinbar unendlichen Variationen.

Vor fantasievollen Hintergründen, die von monochrom eingestrichenen Aquarellen bis zu Blättern aus Tapetenbüchern reichen, entwickelt Rolf Jahn mit schnellen Linien zeichenhaft seine Figuren. Sie wechseln zwischen ruhiger Haltung und heftiger Bewegung ab. Da scheint kein Strich zu viel, keine Farbe abwegig, kein Ornament daneben, keine Komposition überfüttert zu sein. Seine Kunst lebt mit einer schmunzelnden Balance zwischen den Stilen, den ernsten und heiteren Themen, dem Alltag und der besonderen Situation. Seine Kunst findet spontanen Zuspruch, quer durch die Generationen und Seherfahrungen, sie ist sehr begehrt und dennoch nicht teuer. Auch das gehört zu seinen Prinzipien. Seine Malerei und Zeichnung, die immer wieder ineinander greifen, firmieren unter dem Begriff "Raldystische Kunst". Sie wissen auch noch nicht, was das ist?
Die geistreichen Bilder mit ihren hintersinnigen und doch lesbaren Inhalten werden es Ihnen erläutern.

2009-09-18T09:12:00.000-07:00

Lezzüeck Asturias Coosemans . Malerei
15. April - 14. Juli '06
Momente des Wandels

Transformation charakterisiert die Veränderung der Gestalt, der Form oder der Struktur in eine andere ohne Verlust der Substanz und ist das Thema meiner Arbeit. Transformation ist für mich etwas sehr persönliches, denn es beschreibt die Veränderungen. Meine Absicht ist es, Visionen darzustellen, die für sich selbst sprechen in Form von Bildern und Objekten, welche die Phantasie der Betrachter beflügeln sollen, um ihn in eigene Erinnerungen zu verwickeln. Sie sollen die Zeit, die Gedanken der Vergangenheit und der Gegenwart symbolisieren und gleichzeitig die Veränderungen – Transformationen - meiner Persönlichkeit, meines Denkens und Handelns darstellen.

Meine Bilder sind Antworten auf die Konfrontation mit einer neuen Kultur, einer neuen Sprache und einem neuen Leben. Der absolute Wandel zwischen wirtschaftlicher und sozialer Abhängigkeit und Unabhängigkeit, deren Auswirkungen auf mein Denken, meine persönliche Art, die Dinge zu sehen, die Entstehung und Entwicklung eines neuen sozialen Umfeldes, das mit der Zeit immer wieder eine neue Dynamik erhält, die anfänglichen Erwartungen und Hoffnungen des Studiums, damit eines neuen Lebensabschnitts sowie die Ungewissheit darüber, was danach auf mich erwarten würde - dies sind Momente jener Transformation, die ich meine. Eine Familie, die mehr denn je zusammenhält, trotz der Distanz zwischen unseren zwei Welten – Europa und Lateinamerika, fühlt sich heute mehr verbunden als früher. So kann ich Distanz überbrücken, wie es in meiner Situation der Fall ist.

All diese Momente der Veränderung haben zu der Frage beigetragen, ob diese Erfahrungen gut genug sind, um letztendlich zufrieden mit dem Ergebnis dieser Zeit zu sein. Hat sich das Studium und ein Leben im Ausland gelohnt? Kann ich dieses Kapitel meines Lebens mit der Überzeugung schließen, vieles gelernt zu haben, das mich weiter antreibt, um das nächste Ziel zu erreichen, oder ist es mehr Frustration als Erfolg, was mich bis zu diesen Punkt gebracht hat?

Diese Fragen sind das Thema meiner Analyse und meiner Arbeit, die ich dem Betrachter zugänglich machen möchte. Meine Absicht ist es, Erinnerungen, Erfahrungen und Abenteuer einzufangen und die verschiedenen Momente des Wandels aufzuzeigen. All diese verwirrenden und scheinbar nicht zusammenpassenden Elemente haben gemeinsam, dass sie durch die Konfrontation eine Balance herstellen von dem, was mir in Erinnerung blieb und von dem, was ich reell als Transformation bezeichnen will.

2009-09-18T07:38:00.000-07:00

Georgina Beier . Grafiken
20. August ’05 - 17. November '05

Georgina Beier wurde 1938 in London geboren.
Mit 21 Jahren ging sie nach Nigeria um die für sie so „kulturell trostlose“ Umgebung von London-Sutton zu entfliehen; die Kunstschule dort hatte sie „nicht wachgerüttelt“.

In Nigeria entfalteten sich ihr aufregend viele Kulturen, nicht ein Lebensstil – unzählige. Ihre Vielseitigkeit in der Wahl der Medien ist Resultat ihrer Entdeckungen. 1963 gründete sie mit ihrem Mann (dem deutschen Literaturwissenschaftler Ulli Beier) in Oshogbo den Mbari Mbayo Workshop für Malerei und Druckgrafik. Aus ihm gingen, heute von Weltruf, Künstler wie z.B. Muraina Oyelami, Twins Seven-Seven, Rufus Ogundele und Adebisi Fabunmi hervor. Ihre eigene Arbeit umfasst Malerei und Skulptur, Lithografie und Seriengrafien, handbedruckte Stoffe, Möbel und Schmuck sowie Mosaike und Wandmalereien.
Druckgrafiken aus der Oshogbo-Zeit sind kraftvolle Kompositionen von wenigen Figuren, die vor einem weitgehend abstrakten und roh gemusterten Hintergrund angeordnet sind, mit weißen Linien auf schwarzem Grund gedruckt. Ihre Wandmalereien bestehen oft aus großformatigen, bunten Formen und abstrakten Figuren, die gänzlich ohne Bildtiefe auf der Oberfläche erscheinen und manchmal einen freundlichen Zug ins Comichafte aufweisen.

Ab Ende1967 folgten für die Beiers u.a. die Stationen Port Moresby, Papua New Guinea und Sydney, Australien und Indien. Auch hier arbeitete Georgina mit einer Reihe Künstler, half ihnen ihr „inneres Auge“ zu erkennen und zu benutzen. Immer wieder folgten Besuche in Nigeria. Denn hier entdeckte sie ihre Berufung als nomadische Künstlerin – auf allen Kontinenten zuhause.

Georginas Fertigkeiten in der gesamten Spannbreite der Disziplinen ermöglichte es ihr, vielen Künstlern Hilfestellung zu leisten und Ratschläge zu geben. 1980 zog sie nach Bayreuth. An dem von ihrem Mann gegründeten Afrika-Zentrum der Uni Bayreuth, dem IWALEWA-HAUS, begann ihre europäische Schaffensphase. Seit 1997 lebt sie mit ihrer Familie wieder in Sydney.

Über ihre Malerei schrieb der große sudanesische Maler Ibrahim el Salahi in einem Essay: „Wie sie eine Linie handhabt, ist phantastisch! Es ist eine sehr klare und sehr einfache Linie, aber sie ist sehr stark und sie hat Kraft, den Raum zu bestimmen. Ich finde es erstaunlich, denn ihre großen Zeichnungen sind wie eine einzige Bewegung konzipiert.

Ob die Bildfläche groß oder klein ist, macht keinen Unterschied. Sie hat diese Fähigkeit, den Raum mit einer einfachen Linie zu bändigen, als ob sie das Verhältnis der verschiedenen Flächen zueinander in ihrem Geist schon genau entwickelt hätte und die Linie nun nur noch diese Kenntnis des Raumes zu demonstrieren brauchte. Andere müssen sich mit ihr plagen - ihre ist freudig und frei.“

2009-09-18T07:34:00.000-07:00

Hildegard Wohlgemuth - Malerei
16.4.05-17.8.05
Malen als Befreiung
Die Bilder der Bettelkönigin

Die Bettelkönigin steht auf dem Hamburger Gänsemarkt, hat bunte, mit Rüschen verzierte Kleider übereinander gezogen: eine kugelrunde, freundliche Frau mit dem Charme eines Kindes. Mit dem Schild, das sie sich umgehängt hat, bittet sie die Passanten um Geld für Filzstifte. Sie, die sich „schizophren“ nennt, malt. Sie malt skurril und naiv anmutende Bilder des Grauens und der Hoffnung. Eine „merkwürdige“ Person. Fährt mit einem Roller durch Hamburg. Verkauft oder verschenkt ihre knallbunten Bilder. Phantastische Bilder, in denen sie immer wieder ihre Erlebnisse verarbeitete – ihr furchtbares und ihr wunderbares Leben. Hildegard Wohlgemuth wurde 1933 als Tochter eines Forstmeisters im Memelland (Ostpreußen) geboren. Ihre Familie verlor sie durch die Kriegsereignisse. In einem Kinderheim wurde sie zunächst versorgt. Gegen Kriegsende begaben sich die Kinder mit ihren Betreuerinnen auf die Flucht nach Westen. Unterwegs traf sie das Ereignis, das Hildegards Leben und ihre weitere Entwicklung bis zu ihrem Ende prägte und ihre Kindheit jäh beendete. In einem Leipziger Luftschutzkeller wurden alle 26 Kinder aus ihrem Heimatort von Bomben getroffen und getötet. Hildegard überlebte als einzige und stand fortan allein auf der Straße – im Alter von 11 Jahren! Die Gefährten ihrer Kindheit hat sie zeitlebens nicht vergessen können. Ihren Tod konnte sie nicht akzeptieren. So ließ sie diese Kinder in ihrem Kopf und auch konkret in ihrer Wirklichkeit weiterleben. Ärzte diagnostizierten bei ihr eine Schizophrenie, weil sie weiter die Stimmen ihrer toten Freunde hörte. Und so verbrachte sie nach dem 2. Weltkrieg deswegen viele Jahre in psychiatrischen Krankenhäusern. Erst als sie schwanger wurde, gelang es ihr mit Hilfe einer engagierten Ärztin eine eigene Wohnung zu beziehen. Für die Tochter, die sie zur Welt brachte, wollte sie ein Zuhause haben. Malen war das Ausdrucksmittel, durch das sie ihre innere Welt mitteilen konnte und wodurch ihr Leben in mehrfacher Weise Sinn bekam. Sie begann damit ziemlich spät, erst im Alter von 52 Jahren. Eine Künstlerin, Elisabeth Ediger, sprach die stadtbekannte Bettlerin an und lud sie zu sich nach Hause ein. Einmal wöchentlich durfte sie seitdem bei ihr sein und in ihrem Atelier malen. Und schon bald entdeckte Hildegard, wie viel Freude sie selbst aber auch andere an ihren Bildern hatten. Phantasiewelten. Sie haben Hildegard Wohlgemuth am Leben gehalten. Das endgültige Sterben der Kinder in ihren Gedanken und Vorstellungen hätte sie nicht verkraftet. Die Stimmen begleiteten sie ihr ganzes Leben lang. Als Tiere, Pflanzen und Figuren sind sie auch in ihren Bildern präsent. In den letzten Jahren vor ihrem Tod – sie verstarb im Alter von 70 Jahren am 11.11.2003 in Hamburg – schaffte sie es, mit ihren Bildern und ihrer Geschichte noch ein beachtliches Maß an öffentlicher Anerkennung zu finden.

Der Norddeutsche Rundfunk produzierte einen erfolgreichen Fernsehfilm über ihr Leben und Werk. # Der Hamburger Psychiatriedozent Dr. Thomas Bock lud sie zu Kongressen ein, nahm sie zu Schulveranstaltungen mit und schrieb, zusammen mit der Journalistin Irene Stratenwerth, ein inzwischen preisgekröntes Kinderbuch über „die Bettelkönigin“. # Auch im Kunstkontext wurden ihre Bilder gezeigt, so z.B. in den Städtischen Kunstsammlungen Schloss Salder, Salzgitter. # Zahlreiche weitere Ausstellungen fanden in sozialen Einrichtungen statt, u.a. in der Obdachlosenhilfe Freiburg und im Brunnenhaus Bayreuth.

Immer öfter gelang es ihr im Alter auch etwas Geld für ihre Bilder zu bekommen. Aber wenn man hoffte, sie würde sich dafür selbst mal etwas gönnen, lag man falsch. Immer waren es andere, die aus ihrer Sicht gesehen Hilfe nötiger brauchten als sie selbst: die Obdachlosen und Bettler, mit denen sie lange zusammengelebt hatte, ihre Tochter und - vor allem – ihre vier Enkelkinder, von denen sie mit Stolz und Freude überall erzählte. Sie alle wurden von Hildegard, wann immer sie ein paar Mark oder Euro in den Händen hielt, liebevoll versorgt und beschenkt.

2009-09-18T07:28:00.000-07:00

Nihat Ay - Malerei, Zeichnung & Skulptur
9.1.-10.4.05
In der Türkei geboren kam Nihat Ay mit seinen Eltern 1970 nach Deutschland. Nach seinem Schulbesuch, den er 1989 mit dem Abitur abschloss, stand er vor der Wahl sich für ein Kunst oder Mathematikstudium zu entscheiden. In den zum Teil großformatigen Ölbildern dominieren Kegelförmige Körper quasi als Brückenelement zum Betrachter. Sie schweben bei anscheinend harmlosen Tätigkeiten, ebenso faszinierend wie beunruhigend eigenlebendig. Nicht allein ihre äußere Haltung entspricht der eines Schwebezustands, sondern ebenso die Innere. Und nach längerem Betrachten teilt sich die Frage, die sich der Künstler gestellt haben könnte mit: Bin ich isoliert und gefangen im eigenen Ich oder integriert in meiner Umwelt? Dem Ungewissen in unserem Handeln und Fühlen, dem ständigen Verändern, eben dem Metaphoren gilt sein Interesse. Nihat Ay arbeitet heute an wissenschaftlichen Komplexitätstheorien an internationalen Instituten.

2009-09-18T07:25:00.000-07:00

Justus Müller - Skulpturen | Theaterplastiken
4.9.-9.1.05
Der 1935 in Breslau geborene Künstler erlernte den Beruf des Steinmetzens und Bildhauers, arbeitete als Steinreservatohr in der Schweiz und Deutschland. Von 1975 bis 1998 war er an den Kammerspielen München tätig. Über Jahrzehnte im Umgang mit verschiedensten Materialien, angefangen von Styropor, Ton zu Holz und Stein bis Bronze, geübt, entstehen ohne Konstruktionspläne mit hoher Sensibilität eigenwillige, stets harmonische Figuren, abstrakte Gebilde und ’Bewegungen’ des Materials. Aus Formensprache, Hintersinn und Harmoniebestrebung entsehen Skulpturen wie z.B. Das Paar – Himmelwärts – Die Donau – Unendlichkeit - Alraune. Justus Müller lebt seit 1998 als freischaffender Bildhauer in Arnbruck.

2009-09-18T07:21:00.000-07:00

Yoruba Textilkunst - Adire | Batik
22.5.-27.8.04
Die raffinierten Textilien der Yoruba waren schon vor Jahrhunderten an den Königshöfen Europas bekannt und begehrt. Sie wurden im gesamten west- und nordafrikanischen Raum, besonders bei den Völkern der Sahara gehandelt.

Die textilen Traditionen, außer der florierenden Lurexweberei, sind fast verschwunden. In den sechziger Jahren waren die Märkte im Yoruba-Land ein wogendes Meer von Blau, Indigoblau, vom tiefen Nachtblau bis zum ausgewaschenen Graublau. Noch vor hundert Jahren war Indigo fast die einzige Farbe die den Textilkünstlerinnen in Westafrika zu Verfügung stand.

Die weißen, handgewebten Baumwolltücher wurden mit Abbinde- oder Batik-Techniken zu gemusterten Stoffen mit Indigo eingefärbt. Mit dieser einzigen Farbe konnten die Künstlerinnen allerdings eine Vielfalt von kühlen und warmen Tönen, von dunklen und hellen Schattierungen erzeugen. Die Vielfalt - besonders der von den Yoruba Frauen produzierten ADIRE Tücher war erstaunlich. Dabei war auch das Design nie statisch - immer wieder entstanden neue Muster und neue Moden.

Blau, die traditionell beliebteste Farbe bei den Yoruba.

Von den allein in Afrika wachsenden über sechshundert Arten des Indigostrauches Indigo fera und Lonchocarpus cyanescens wird der Farbstoff, in oft nur den Eingeweihten bekannten Prozessen gewonnen. Die Farbe hat Dichter und Denker wie Goethe und Leonardo von den faszinierenden Schattierungen des Indigoblaus inspiriert. Matisse und Bonnard betteten ihre Akte auf westafrikanische Indigotextilien und gestalteten damit wunderbare Interieurs.

2009-09-18T07:18:00.000-07:00

Kalina Svetlinski . Malerei
17.1.-30.4.04
Kalina über ihre Malerei "Die Farbe und die Formen in einer Komposition eröffnen das Geheimnis zu einem einzigartigen und unwiederholbaren emotionalen Zustand. Der Mensch als Objekt ist nichts anderes als Vollkommenheit in seinen einfachsten Linien und Formen. Ob realistisch, deformiert oder idealistisch stilisiert, es zeigt sich immer ein normales menschliches Gefühl. Es gibt für mich keine brave Gesetzmäßigkeit, die mich in meiner Kunst einschränken könnte. Kunst muss immer ein bisschen Wildheit und Provokation enthalten, damit sie auf spätere Betrachter nachwirkt. Kunst besteht aus dem, was wir waren, was wir sind und was sein wird. Traut euren Augen, euren Gefühlen, euren Instinkten !" Die Künstlerin lebt und arbeitet als Galeristin in der Kleinstadt Regen.

2009-09-18T07:16:00.000-07:00

Lezzüeck Asturias Coosemans . Malerei
4.9.03-15.1.04
"In einer fremden Kultur zu leben, gleicht mitunter einem Tanz, bei dem verschiedene Elemente zu etwas Neuem verschmolzen werden." So beschreibt der 1974 in Guatemala geborene Lezzüeck Asturias-Coosemans die Idee seiner Werke auf denen figürliche Wesen auf nebulösem Hintergrund anmutig dahinschweben, wobei die immer länger werdenden Arme und Beine nahezu die gesamte Bildfläche einnehmen und Himmel und Erde, Traum und Realität zu verbinden scheinen. Seine Bilder sind Erfahrungsberichte seiner Reisen durch Süd- und Mittelamerika und sie sind geprägt von der multiethnischen Vielfalt Europas. Durch Experimente erarbeitete er sich einen Stil, den er selbst als neuen Surrealismus bezeichnet.

Lezzüeck Asturias Coosemans über seine Arbeit „Tag für Tag fallen unsere Augen auf gleiche oder ähnliche Dinge. Im Laufe unseres Heranwachsens haben wir uns daran gewöhnt, ein Haus als Haus, einen Baum als Baum, usw. zu identifizieren. Nur selten, oftmals bedingt durch sich plötzlich ändernde Umstände, werden diese festgelegten Sehgewohnheiten durchbrochen und die sonst so vertraute Welt erscheint auf einmal fremd und seltsam. Hinter der gewohnten Realität kommt eine andere zum Vorschein, in der unsere erlernten Definitionen nicht greifen und die uns bewußt macht, daß es noch andere Arten gibt, die Welt zu sehen, als die unsere. In meinen Werken versuche ich, dieser Realität "hinter den Dingen" auf die Spur zu kommen und mich mittels Farbe, Formen und Technik zu nähern. Ich will damit beim Betrachter Assoziation auslösen, die ihn wegbringen von den erlernten Definitionen von Wirklichkeit hin zu einer anderen, emotionalen Sichtweise auf das ihn täglich Umgebene. Meinen Werken liegt daher keine vorgegebene Interpretation zugrunde, es gibt keine "Bedeutung" in ihnen zu entdecken, die sich in Worten und Sätzen einsperren ließe. Meine Arbeitsweise basiert viel eher auf Intuitionen und Assoziationen als auf intellektuellen Konzepten. Mich interessieren diese "verborgenen Realitäten", die sich nicht rational erfassen lassen und die eben deshalb nur individuell von jedem Einzelnen "verstanden" werden können.“

2009-09-18T07:13:00.000-07:00

Nek Chand . Skulpturen
14.6.–23.8.03
Eine Gegenform zur akademischen Kunst ist die der Vision Art, der unverbildeten, unreflektierten und spontanen Kunst, wobei spontan nicht gleich planlos bedeutet. Wohl einer der visionärsten Künstler ist der heute 89jährige Inder Nek Chand. Mit seinem parkähnlichen Königreich aus Steinen hat er, nahe der nordischen Stadt Chandigarh, gegen den rechten Winkel der Moderne, gegen Le Corbusiers kühle Architektur von Chandigarh, aus zerbrochenen Armreifen, aus Kachel- und Keramikbruch eine eigenständige Welt, mit Tieren, Wasserträgerinnen, Frauengestalten und Maskenmänner geschaffen. Seit über 25 Jahren zieht sein ‚Kingdom’ Besucher aus aller Welt an.

"Jetzt sagen die Leute Künstler zu mir. Ich liebe das Wort Künstler nicht. Nur Gott treibt mich zu dieser Arbeit. In meiner Familie gab es keine Künstler. Aber schon als Kind hatte ich schon dieses Spiel: ich machte Skulpturen aus Lehm, zerbrach sie wieder und warf sie fort. Ich hatte keine Ahnung, daß die Leute meine Arbeiten ansehen würden. Ich arbeitete nur zu meinem eigenen Vergnügen, ich arbeitete heimlich, in der Nacht, und verbrannte Fahrradreifen, um Licht zubekommen. Das Material für meine Figuren besteht meist aus Fahrradteilen: Rahmen, Schutzbleche, Speichen, Sättel und sogar Lenkstangen als Tierhörner. Niemand wußte, was ich tat, niemand half mir. Wenn die Leute sahen, daß ich irgend einen Schrott auflas, dann lachten sie nur – sonst nichts – und ich habe niemanden verraten, was ich damit wollte. Ich habe nie geglaubt, daß es den Leuten später mal gefallen würde. Jetzt sagen sie zu mir: Ist es ein Moghul Königreich? Oder ein Rajput Königreich? Es ist irgend ein Königreich! Es ist mein Spiel mit dem Königreich. Ich liebe Steine sehr... in jedem Stein ist ein menschliches Wesen, oder auch ein Gott, eine Göttin ... so ist das. Und dies sind auch wieder andere Menschen, die gehören auch zum Königreich, die sind tot, und sind in den Himmel gegangen, und der Schöpfer sagte zu ihnen: kommt doch bitte in dies Königreich, es ist ein schöner Ort, und ihr könnt hier immer bleiben. Und deshalb glaube ich, das jeder Stein, jede Figur hier stehen wird solange die welt besteht. Figuren machen ist ja nicht schwer aber nicht etwa schöne Figuren – ganz grob gemacht! Ich habe gar nicht die Absicht, daß dies hier sehr schön sein soll! Nein, es kann ruhig häßlich sein! Aber ich will weiter daran arbeiten. Nur die Idee ist mir wichtig! Diesen Felsengarten bracht man gar nicht zu erklären. Denn alles, was ich gemacht habe – ich habe die Geschichte beschrieben. Man kann verstehen, wenn man verstehen will. Da braucht man keine Vorträge, das Werk beschreibt sich selbst! Das hat nichts mit Hinduismus zu tun! Es ist für jede Gemeinschaft! Ich glaube an jede Religion! Jede Religion! Wie schon mein Vater, versteh ich nicht viel von Riten, doch wenn ich hier arbeite – das ist auch Gottesdienst! Wenn die Arbeit nicht vorangeht, dann bin ich unglücklich ... Der Tag wird nie kommen, wo dieses Königreich fertig ist, jeden Tag gibt’s so viele Ideen! Und selbst nach mir wird es nicht aufhören: Andere Menschen werden die Arbeit fortsetzen."

Aus einem Gespräch mit Ulli Beier und Paul Cox.

2009-09-18T07:10:00.000-07:00

Gift Orakpo . Kalligraphie
6.4.-6.6.03
Gift Orakpo gehörte zu der, weit über Nigeria hinaus bekannten, ’Oshogbo-Schule’; eines in den 50’ und 60’ Jahren ständigen Workshops junger Künstler. Seine Bildsprache, eben ’geheime Zeichen’ zeugen von seinem sehr introvertierten Wesen. Es gab keine Aussagen, die er dem Betrachter hätte mitteilen wollen; er arbeitete nur für sich.

Auszug aus: Gift Orakpo. Ein nigerianischer Künstler (raïarts.internationale kulturprojekte e.v. 2001) "...In den fünfziger Jahren war Nigeria eine multikulturelle Gesellschaft. Die Menschen nahmen sich die Freiheit kreuz und quer durch das Land zu ziehen, um Arbeit zu suchen oder Handel zu treiben. Ehen zwischen Angehörigen verschiedener Stämme waren keine Seltenheit, es herrschte religiöse Toleranz. In einer Familie gab es Angehörige verschiedener christlicher Konfessionen, und in weiten Teilen Süd-Nigerias lebten sogar Moslems, Christen und die Anhänger traditioneller Religionen in Großfamilien friedlich zusammen..." "...Gift war von Natur aus ein schüchternes, einsames Kind. Er war schweigsam, introvertiert und hatte kaum Freunde. In Menschenmengen fühlte er sich nicht sehr wohl; ein Gefühl, das fast an Klaustrophobie grenzte. Alles, was auch nur im entferntesten mit Einschränkung und Zwang zu tun hatte, machte ihm Angst..." "...Dann kam die traumatische Erfahrung des Bürgerkrieges, der brutal Gifts multikulturelle Existenz zerstörte. Gewalttätigkeit explodierte im ganzen Land. Im Oktober 1966 wurden die Igbos in Jos hingemetzelt. Wie durch ein Wunder entkam Gifts Mutter dem Massaker. Er selbst wurde Zeuge des Horrors, denn er mußte mit ansehen, wie auf dem Platz hinter seinem Haus die Leichen verscharrt wurden..." "...Gift begann ein Tagebuch zu führen, und damit niemand in seine Privatsphäre eindringen konnte, erfand er dafür ein neues Alphabet..." Doch trotz des Interesses, das man ihm entgegenbrachte, trotz aller Liebe und Bewunderung, verfiel Gift in Depressionen. 1978 setzte er seinem jungen Leben ein Ende. Ein Grund für seine Verzweiflung war sicher unerwiderte Liebe: Gift liebte so besessen wie er malte. Aber die tieferen Gründe müssen woanders gesucht werden: obwohl er fast fanatisch versuchte, sich in eine Gemeinschaft einzugliedern, blieb er ein Außenseiter und die traumatische Erfahrung des Bürgerkrieges hat ihn sein Leben lang gequält.

2009-09-18T07:06:00.000-07:00

Phi Sander . Malerei
7.9.02 - 7.3.03
Die Leipziger Künstlerin Phi Sanders arbeitet an einer besonderen Bilder’sprache’. Ihre Arbeiten verfolgen kein metaphysisches Ziel, sollen niemanden aufrütteln, sollen nicht zum nachdenken anregen und nicht zu einem wie auch immer gearteten Kampf aufrufen. Phi Sanders hat kein Anliegen, das sie einem Publikum nahe bringen möchte. Es geht ihr nicht um eine "Sache". Gespräche über ihre Bilder laufen deshalb oft Gefahr, über dieselben hinwegzugehen. Nicht etwa deshalb, weil es nichts zu ihren Werken zu sagen gibt, sondern weil die meisten Kunstbetrachter glauben, ein Kunstwerk müsse zuallererst und insbesondere von einem intellektuellen Standpunkt aus betrachtet werden. ... das schaffende "Organ" Phi Sanders ist weniger der Kopf, sondern vielmehr ist es ihr Bauch, ihre intuitive Kraft, die Dinge in der Natur, aber auch die Menschen mit spielenden Augen abzutasten, und sie ihrer gewohnten Gestalt zu entledigen, um ihnen eine andere Form zu geben. ... erst gegen Ende, wenn nahe zu alle Linien gezogen sind und auch die Arbeit mit den Farben fast beendet ist, erst dann entfaltet sich das Bild für den Betrachter, und was noch vor wenigen Minuten wie ein Wirrwarr aus Graphitkrakeln und Farbfläche erschien, ist nun . . .